Wie politisch war die Subkultur in Ost und West? Ein Streitgespräch (Podcast)

Cold War Nightlife – The Sound of Cold War Berlin

Podiumsdiskussion, Sage Club Berlin, 9. Juli 2015, 18-20 Uhr

Am Ende klang es fast wie Streit. Als Zeitzeugen aus Ost und West am Pool des Berliner Sage Clubs über die Sound-Geschichte des Kalten Krieges und das Nachtleben der geteilten Stadt diskutierten, lebten alte Gegensätze wieder auf. Einer Berichterstatterin erschien die Diskussion zeitweise wie “ein Wettbewerb zwischen Ost- und West-Punks”. “Der Osten war immer vorbereitet auf den Westen, der Westen aber – und das sieht man auch heute hier – nicht auf den Osten”, kritisierte etwa der Ost-Punk Henryk Gericke, verteidigte die DDR aber gleichzeitig gegen pauschale Kritik des West-Zeitzeugen Dr. Motte.

In einer ungewöhnlichen Kooperation haben der Sage Club gemeinsam mit der Berliner Humboldt-Universität, der University of North Carolina at Chapel Hill, dem Berliner Landesbeauftragten für die Stasi-Unterlagen und der Robert-Havemann-Gesellschaft ein Programm zusammengestellt, dass insbesondere interessierten Jung- und Neu-Berlinern einen Einblick in die aufregende Musikgeschichte der geteilten Stadt bieten sollte.

Wir dokumentieren das Gespräch als Podcast in voller Länge.

Podiumsgäste:

Von links nach rechts: Sascha Disselkamp, Bodo Mrozek, Henryk Gericke, Anja Caspary, Mark Reeder, Dr. Motte, Kalle Kuts

The Sound of Cold War Berlin

09.07.2015 · Panel & Party: Cold War Night Life

Berlin gilt nicht erst seit Klaus Wowereit als arm aber sexy. Aber was haben die Alliierten damit zu tun, dass man in Berlin heute ohne Pause feiern kann? Was lockte David Bowie, Iggy Pop und Nick Cave damals nach West-Berlin? Warum hießen DJs in Ost-Berlin Schallplattenunterhalter, weshalb brauchten sie eine Spielerlaubnis und wie kamen sie an die heißbegehrte Musik aus dem Westen? All diesen Fragen widmet sich am 9. Juli 2015 eine Veranstaltung im Sage Club Berlin.

In einer ungewöhnlichen Kooperation haben der Club gemeinsam mit der Berliner Humboldt-Universität, der University of North Carolina at Chapel Hill, dem Berliner Landesbeauftragten für die Stasi-Unterlagen und der Robert-Havemann-Gesellschaft ein Programm zusammengestellt, dass insbesondere interessierten Jung- und Neu-Berlinern einen Einblick in die aufregende Musikgeschichte der geteilten Stadt bieten soll. Einstige und heutige Protagonisten der Berliner Musik- und Clubszene diskutieren am Pool des Sage Club über ihre Erinnerungen an heiße Clubnächte inmitten des Kalten Krieges. Und da man über Musik nicht nur sprechen sollte, werden im Anschluss auf fünf Floors noch einmal die Sounds von damals gespielt – von Rock und Pop aus Ost und West über den Hiphop und Soul der G.I. Discos bis hin zu den Anfängen der elektronischen Musik. Um die Zeit zwischen Podium und Party zu überbrücken, wird um 20 Uhr der Film „B-Movie – Lust und Sound in West-Berlin“ gezeigt. Gegen 22 Uhr spielen dann Neues Glas/ElektRio neue Songs sowie Klassiker von Ton Steine Scherben.

Details: hier.
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18 UHR // TALK AM POOL

Dr. Motte (Loveparade-Begründer · Praxxiz)
Mark Reeder (B-Movie · MFS Records)
Ronald Galenza (DT64 · Radio Fritz)
Kalle Kuts (G.I. Disco)
Sascha Disselkamp (Sexton · Sage Club)
Bodo Mrozek (Historiker · Journalist)
Moderation: Anja Caspary (Radio Eins – RADIO Affair mit Anja Caspary)
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20 UHR // KINO AM POOL

B-MOVIE LUST & SOUND IN WEST-BERLIN 1979-1989
Infos & Trailer: http://www.b-movie-der-film.de/
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ab 20 UHR // ROCK AT SAGE – COLD WAR BERLIN EDITION

Live: Neues Glas / ElektRio – neue Songs und die Hits von damals
Mainhall: Anja Caspary, LarsActionHero & TillBeat (Rock · Pop · New Wave · NDW)
Dragonfloor: Arvid & DJ Toxic Twin (Gothic · HardRock · Heavy Metal)
Separee: G.I. DISCO (Soulful 80s Club Music)
Garten: DJ Vossi (Punk & Roll)

ab 22 UHR // DER VIERTE RAUM – elektronische Musik
Dr. Motte, Mark Reeder, Uwe Reineke
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Gefördert aus Mitteln des Zukunftskonzepts der Humboldt-Universität zu Berlin im Rahmen der Exzellenzinitiative von Bund und Ländern und unterstützt durch die The University of North Carolina at Chapel Hill, den Berliner Landesbeauftragten für die Unterlagen des Staatssicherheitsdienstes der DDR sowie der Robert-Havemann-Gesellschaft e.V.

Titelfoto: Bundesstiftung Aufarbeitung, Harald Schmitt, Bild Schmitt_364
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Freier Eintritt bis 22:00
Eintritt ab 22:00 6 EUR
Adresse: Köpenicker Str. 76, 10179 Berlin, U-Bhf. Heinrich-Heine-Straße

CfP: Werkstatt: When the Mode of the Music Changes: Zur Zeitgeschichte von Musik, Revolte und Utopie dies- und jenseits des »Eisernen Vorhangs« 1956-1989

Seit den Pionierarbeiten von Detlef Siegfried, Ute Poiger und anderen ist viel über populäre Musikstile von Jazz über Rock’n’Roll bis hin zu Punk, ihre Wahrnehmung und Einbettung in (jugendliche) Subkulturen geschrieben worden. In aller Regel verbleiben die einschlägigen Arbeiten aber in einem engen Rahmen: Sie untersuchen in der Regel nur eine Musikgattung in einem Land, die Transnationalität der Perspektive beschränkt sich auf den Hinweis, dass alles in den USA beginne und von da aus einen globalen Siegeszug angetreten sei, der sich gleichsam allein aus der künstlerisch-emotionalen Qualität der Musik zu speisen scheint. Diese Eindimensionalität von Transfer – bei der etwa unerklärt bleibt, was denn nun eigentlich die grenz- und blockübergreifende Attraktivität der Musik und der ihr zugeschriebenen Bedeutungen ausgemacht hat und welche gemeinsamen Merkmale das meist jugendliche Publikum beiderseits der Blockgrenze teilte – sorgt aber dafür, dass eine ganze Reihe von Phänomenen übersehen bzw. – so die Hypothese, die der Konferenz zugrunde liegt – falsch oder unvollständig kontextualisiert werden. Dies gilt beispielsweise für den »amerikanischen« Ursprung von Beat und Rock, die tatsächlich in hohem Maße aus einer Rückübertragung britischer Popmusik sowohl in die USA als auch in das übrige Europa bestand, oder für die unterstellte Unterschiedlichkeit der Reaktionen traditioneller Kulturpolitiken dies- und jenseits des »EisernenVorhangs« sowie für den ausschließlichen (und unter erschwerten Bedingungen) Nachvollzug westlicher Entwicklungen in Ostmitteleuropa.

Die Konferenz will die Engpässe und Lücken der bisherigen Forschungsansätze auf zwei Wegen überwinden helfen:
durch eine konsequent und blockübergreifend transnationale Perspektive nicht nur auf Musik- und Kleidungs- oder Habitusstile, sondern auch auf Milieubildungen von Musikern und Publikum sowie auf (staatliche und staatsnahe) Reaktionen und Umgangsweisen
durch eine dreifache Kontextualisierung:

1. Künstlerisch: Auf welchen Wegen und mit welchen Folgen vollzieht sich der Transfer/Nachvollzug und/oder die Aneignung und Neuschöpfung musikalischer Idiome, Formen und (Aufführungs-)praktiken, und wie wirken diese auf die Vorbilder und Anreger zurück? Welche musikalischen Folgen haben Festivalteilnahmen beiderseits der Blockgrenze, welche Gastspiele westlicher Musiker in den Staaten des „realen Sozialismus“, welche die Integration ostmitteleuropäischer Musiker in die nordamerikanische und westeuropäische Szene? Welchen Einfluss auf Praktiken und ihre Rezeption hat die feuilletonistische und/oder kulturbürokratische Kritik und wie weit geht deren Deutungshoheit?

2. Sozioökonomisch und gesellschaftlich: In welchem Verhältnis stand der Erfolg als befreiend verstandener Musiken zur sozioökonomischen und sozial-kulturellen Rekonstruktion und Neuausrichtung »westlicher« und »östlicher« Gesellschaften, etwa zu den Bereichen: Verfügbarkeit und Verwendung von Freizeit; gewollte und/oder vollzogene Entwicklung zur und Kritik der Konsumgesellschaft; Öffnung höherer Bildungsanstalten für zuvor ausgeschlossene soziale Milieus; Veränderung des Sexualverhaltens? Welche gesellschaftlichen und/oder künstlerischen Utopien verbanden sich seitens welcher Akteure mit neuen musikalischen Praktiken?

3. Politisch: Zeitlicher Rahmen ist der des Kalten Krieges / der Existenz des Staatssozialismus. Dieser Zeit wird v.a. in der amerikanischen Literatur die Herausbildung einer sehr spezifischen Kultur zugeschrieben, zu der auch die hochgradige (teilweise sehr komplexe/widersprüchliche) Politisierung neuer populärer Musikstile und ihres (angenommenen) kulturellen, emotionalen, sexuellen Gehalts angenommen. In welchem Maße erklären sich Formen und Intensitäten der Politisierung eben aus dieser Blockkonfrontation (und nicht einfach aus einer Dichotomie von „Freiheitlichkeit“ vs. „diktatorischem Paternalismus“)? Wo sind die Politisierungen von Popmusiken in einzelnen Ländern bzw. Gesellschaftskonzeptionen vergleichbar, wo, wie genau, warum und mit welchen Folgen weichen sie voneinander ab?

Eine intensive Diskussion auf der Konferenz bei einem möglichst veröffentlichungswürdigen Ergebnis soll in folgender Weise sichergestellt werden: Die TeilnehmerInnen werden gebeten, spätestens drei Wochen vor der Konferenz ein Papier von nicht mehr als 15 Seiten Länge einzureichen, dass die eigenen Arbeitsbereiche so weit möglich in die obigen Kontexte – bzw. die eigenen Kenntnisse möglichst nah an das Thema „musikalische Subkulturen“ heranführt. Es ist außerdem vorgesehen, jedes Papier von einem/einer Teilnehmenden kommentieren zu lassen. In den Sektionen soll dann nur noch eine knappe Vorstellung der eigenen Thesen und Antwort auf den Kommentar von bis zu 15 Minuten erfolgen; der Rest der Zeit soll der Diskussion gewidmet sein. Es ist außerdem vorgesehen, vorab einen Reader mit unserer Ansicht nach zentralen (oder besonders anregenden) Texten zusammenzustellen; Vorschläge hierfür sind willkommen.

Es wird nochmals ausdrücklich dazu eingeladen, auch Vorschläge zu Beiträgen einzureichen, die sich nicht mit Musik selbst, sondern etwa allgemeiner mit Freizeitverhalten, Männer- und Frauenbildern, Mode, Paradigmen von Kulturpolitik in West und/oder Ost befassen.

Einsendeschluss ist der 15. Juli 2015.

Die Werkstatt wird durchgeführt vom GWZO, Leipzig, Arbeitsgruppen „Transnationale Zeitgeschichte Ostmitteleuropas“ und „Utopische Gemeinschaften. Ideen – Realisierungsversuche – Nachwirkung (19. und 20. Jahrhundert)“ und dem Centre for Area Studies, Leipzig.

Eine kollektive Veröffentlichung nach der Werkstatt wird in Erwägung gezogen; mindestens wird auf ihrer Grundlage ein auswertender und problemorientierter Beitrag für das Handbuch transregionale Studien des CAS erstellt.

Ansprechpartner:
PD Dr. Michael G. Esch
GWZO
Reichsstr. 4-6
Specks Hof
04109 Leipzig
michael.esch@uni-leipzig.de

»If you have to ask, you can’t afford it.« Pop als distinktiver intellektueller Selbstentwurf der 1980er Jahre

Diedrich Diederichsen und Rainald Goetz lesen am 16. Juni 1984 beim Festival “In der Hitze der Nacht” in der Markthalle Hamburg eigene Texte. Im Hintergrund ein Großbild von Michaela Melián. © Sabine Schwabroh 1984

Im Herbst 2007 beklagte Karl Heinz Bohrer, dass den Intellektuellen in Deutsch­land der Wille zur Macht fehle. Er diagnostizierte dem bundesrepublikanischen Bürgertum eine »kulturell und politisch schlaffe Bescheidenheit«1 und warf des­sen Geisteselite vor, sich selbst den Zugang zum politischen System zu versper­ren. Indirekt gab Diedrich Diederichsen trotz seiner dezidierten Anti-Bürgerlich­keit Bohrer im Herbst 2010 recht, als er zugab, dass seine intellektuelle Peer­group niemals an den »Elendsnummern« »Verantwortung« und »Kalkül« inte­ressiert gewesen sei. »Lyotards wahre Herren« zeichne ihr Außenseiterstatus aus, es handele sich bei ihnen um »experimentelle Maler, Popkünstler, Yippies und Eingesperrte«.2

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  1. Bohrer, Karl Heinz: Kein Wille zur Macht, in: Merkur 61 (2007), S. 659-668, hier S.667 []
  2. Diederichsen, Diedrich: Menschen der Steigerung, Menschen der Macht: Die Nietzsche-Ökono¬mie, in: Sighard Neckel (Hg.): Kapitalistischer Realismus. Von der Kunstaktion zur Gesellschaftskritik, Frankfurt a. M./New York: Campus 2010, S. 33-47, hier S.38 []

Projektskizze: “Transnationalität populärer Jugendkultur. Jugendmedien in der BRD, Großbritannien und Frankreich, 1964-1981″

Das Projekt untersucht im historischen Vergleich und aus transnationaler Perspektive kommerzielle Jugendmedien, hauptsächlich aus dem Bereich Print, exemplarisch aber auch audiovisuelle Formate wie Jugendmusiksendungen im Fernsehen und Jugendfilme im Kino, aus der BRD, Großbritannien und Frankreich im Zeitraum von 1964 bis 1981. Als forschungsleitende Hypothese geht die Studie davon aus, dass Jugendmedien im Untersuchungszeitraum gleichsam als populärkulturelle Repräsentationsfläche, aber auch als aktive Konstrukteure sowie raum- und zeit-übergreifende Transmissionsriemen einer „mainstream-orientierten“ Jugendkultur fungierten und dabei ein synergetisches „Ensemble“ von Jugend(massen-)medien konstituierten. Continue reading

»Volkskultur« und »Popkultur« oder: das Vergnügen an Widersetzlichkeit

AsterixZu den Genres der Popkultur gehört der Comic, einer der erfolgreichsten ist Asterix. Die Ironie, mit der die Verhältnisse geschildert werden, ist ebenso ein Kennzeichen der Popkultur wie die Anspielungen auf aktuelle politische Themen oder die Zitate aus dem bildungsbürgerlichen Kanon. In seiner Bildsprache repräsentiert Asterix aber auch eine idealtypische Volkskultur, wie sie in den Geschichtswissenschaften der 1980er Jahre aufgekommen ist und Feste, Vergnügungen und Revolten der sprichwörtlichen kleinen Leute zum Thema historischer Forschung gemacht hat: auf der einen Seite die findigen gallischen Anarchisten in einer überschaubaren, von Magie und Widersetzlichkeit geprägten Welt, auf der anderen das zwar überlegene, aber immer wieder scheiternde Imperium Romanum mit seinen modernen Errungenschaften, den Straßen, Institutionen der Verwaltung und des Militärs, rational und machtorientiert. Continue reading

CfP: Wie klingt Demokratie? / Musiques en démocratie (Paris)

Philharmonie de Paris, vue de la Grande Salle depuis le parterre. Photo: Copyleft (CC-BY-SA 4.0)

 

Eine internationale Tagung wird sich vom 5. bis 7. November 2015 in der Philharmonie Paris mit der Frage „Wie klingt Demokratie?“ beschäftigen. Gefragt sind Beiträge aus den unterschiedlichsten Disziplinen der Geistes- und Sozialwissenschaften. Mit der provokanten Frage möchte die deutsch-französisch organisierte Tagung einen Raum öffnen, um Konzeptionen und Funktionalisierungspotentiale von Musik innerhalb demokratisch ausgerichteter Gesellschaftsformationen zu diskutieren. Die Beziehung von Musik und Politik wurde insbesondere in der Repräsentation feudaler Gesellschaftsordnungen und im Rahmen ideologischer Instrumentalisierung von Musik in totalitären Herrschaftssystemen eng miteinander verschränkt gedacht. Aus dieser Perspektive scheint das Verhältnis von Musik und Politik gefährliche oder zumindest problematische Implikationen in sich zu tragen. Problematisch erscheint diese Beziehung zudem in Hinblick auf ein (unhinterfragtes) Autonomiepostulat und das Prinzip künstlerischer Freiheit.

Demgegenüber wiederum steht die positiv konnotierte Kraft von Musik, deren Potential in Widerstands-, Protest- und Befreiungsbewegungen und damit in gemeinschafts- und identitätsbildenden Prozessen mobilisiert wird. Diese verschiedenen Blickwinkel nicht als Widerspruch sondern als Ausdruck der Komplexität der Beziehungen zwischen musikalischen Praktiken und den vielfältigen Konzeptionen sozialer Gemeinschaft zu betrachten, ist Ausgangspunkt der Tagung. In zugleich historischer und anthropologischer Perspektive rücken dabei die vielfältigen Erscheinungsformen musikalischer Praktiken, Diskurse und sozialer Handlungsebenen (Staat, regionale und lokale Gemeinschaften, Vereine und Interessengruppen, etc.) innerhalb demokratisch verfasster Gesellschaftsformationen ins Zentrum der Betrachtung:

Wie kann man bspw. erklären, dass gerade Musik häufig dazu dient, eine Gesellschaft als besonders frei und gleichberechtigt zu versinnbildlichen bzw. Musik selbst als Mittel der Gestaltung von Gesellschaft zu begreifen? Welche Voraussetzungen und Intentionen unterliegen einem Verständnis von Musik als soziales „Gemeingut“? Inwiefern sind unterschiedliche Akteure/ Experten (Forscher, Mitglieder verschiedener Interessengruppen oder auch militanter Assoziationen) am Prozess der Legitimation staatlicher Interventionen in verschiedenen musikalischen Sphären (künstlerisches Schaffen, Vermittlung, Bildung, Konstruktion musikalischer Räume) beteiligt?

Zur Diskussion stehen damit auch Begriffe wie Kultur, Musik, Gesellschaft, Volk etc., um deren Definition im Spannungsfeld von gesellschaftlicher Legitimation und Widerspruch gerungen wird. Musikalisches Handeln in Bezug auf den Begriff der Demokratie und dieses damit innerhalb seiner sozialen und politischen Vermittlungsprozesse zu problematisieren, erfordert somit eine Offenheit der Herangehensweise. Zwar verbinden sich auch mit dem Begriff der Demokratie zunächst einheitsstiftende gesellschaftliche Ideale und politische Normative, doch variieren die Bezugnahmen auf und die praktischen Umsetzungen von diesem Konzept deutlich je nach zeitlichem und räumlichem Kontext.

Um diese Vielfalt sichtbar machen zu können, nimmt die Tagung die longue durée in den Blick und verfolgt Ideen eines demokratischen Denkens in der Musik – mit ihren Kontinuitäten und Brüchen – von ihrem ersten Auftauchen (Ende 18./ Anfang 19.Jh.) bis in die heutige Zeit. Gleichzeitig wird ein auch räumlich weit gefasster Ansatz vertreten. Dabei können die Fälle Frankreich und Deutschland als Ausgangspunkt dienen, doch soll sich nicht darauf beschränkt und vielmehr Bezugnahmen zwischen unterschiedlichen Ländern und kulturellen Kontexten hergestellt werden.
Im Rahmen dieser Ausgangsfragen sind Beiträge zu einem oder mehreren der folgenden Schwerpunkte herzlich willkommen:

Musik und Staatlichkeit: auf Musik bezogene Kultur- und Bildungspolitiken; Debatten um gesellschaftliche Repräsentation und Partizipation; Institutionalisierungsprozesse; etc.

Ideengeschichte(n): historische Stationen und Verläufe des Ideenkomplexes „Musik und Demokratie“; Prozesse der Mobilisierung und Stabilisierung sowie Kontroversen damit verbundener Konzepte (musikalische Autonomie, Repräsentation, kulturelle Vielfalt, etc.); Konstruktion musikalischer Hierarchien und Genres; etc.

Kreativität und Politik: Debatten um Definition und Diversität des Kultur- und Musikbegriffs aus Perspektive von Kreativschaffenden (Soziokultur, Kultur für alle, etc.); Konzeptionen von Gesellschaft und Politik, die musikalischen Praktiken unterliegen; politisch motivierte Musik; etc.

Raum und Rezeption: Konstruktion musikalischer Räume und Ereignisse in demokratisch verfassten Gemeinschaften (Konzertsäle, Festivals, Konservatorien/Musikhochschulen, Radio, etc.); soziale und symbolische Dimensionen architektonischer Konzeptionen und Verortungen im Raum; Debatten um soziale Verantwortung und Finanzierung musikalischer Räume und Ereignisse; etc.

Musikalische Öffentlichkeiten: Praktiken und Kontexte des Hörens und der Rezeption; Konzepte von Öffentlichkeiten (Elite, Mainstream, Masse, Hörer, Audience, Fans, etc.); Mittel der Konstruktion und Repräsentation von Öffentlichkeit (Statistiken, Expertenstudien, Marktanalysen, Selbstorganisation, Medialisierung); etc.

Indem die Tagung zu Beiträgen einlädt, die sich mit unterschiedlichen historischen und räumlichen Konstellationen beschäftigen und sich dabei an verschiedenen Zugängen (Akteure, Institutionen, Praktiken, Diskurse) orientieren, möchte sie ein Forum öffnen, dass der Vielfalt der mit diesem Thema verbundenen Perspektiven Rechnung trägt. Ziel dabei ist, das Verhältnis von Musik und Politik in seiner Komplexität und verschiedenen Erscheinungsformen innerhalb demokratisch verfasster Gesellschaftsformationen sichtbar zu machen.

Sehr willkommen sind dabei Beiträge aus einem breiten geistes- und sozialwissenschaftlichen Spektrum (Geschichte, Anthropologie, Musikwissenschaft, Musikethnologie, Politikwissenschaft, Soziologie, Erziehungswissenschaft, Theaterwissenschaft, etc.)

Konferenzsprachen sind Französisch, Deutsch und Englisch.

Beitragsvorschläge (Abstract max. 2000 Zeichen, CV max. 500 Zeichen) können bis spätestens zum 15. Mai 2015 an folgende Adresse gesendet werden: musikdemokratie@gmail.com.
Zusagen über angenommene Beiträge werden bis zum 30. Juni 2015 übermittelt und das Tagungsprogramm online veröffentlicht.

Wir freuen uns auf Ihre Vorschläge!

Mitglieder des wissenschaftlichen Komitees:

Philip Bohlman, Esteban Buch, Annegret Fauser, Wolfgang Fuhrmann, Antoine Hennion, Denis Laborde, Karine Le Bail, Julio Mendívil, Olivier Roueff, Patrice Veit, Raimund Vogels, Sarah Zalfen, Hansjakob Ziemer

Organisationsteam:

Talia Bachir-Loopuyt (Université Jean-Monnet), Etienne Jardin (Palazzetto Bru Zane), Christina Kaps (Humboldt-Universität zu Berlin), Elsa Rieu (Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales Paris), Lena van der Hoven (Max-Planck-Institut für Bildungsforschung)

Partner:
L’Ecole des hautes études en sciences sociales Paris (Centre de recherches sur les arts et le langage & Centre Georg Simmel); Centre Marc Bloch Berlin; Palazzetto Bru Zane Venedig; Center for Worldmusic Hildesheim; Philharmonie Paris

 

 

« Musiques en démocratie : acteurs, institutions, pratiques, discours »

Ce colloque international organisé à la Philharmonie de Paris les 5, 6 et 7 novembre 2015 par des institutions françaises et allemandes propose d’ouvrir un forum de discussion sur les conceptions et mobilisations de la musique au sein des sociétés démocratiques.

Les analyses des rapports entre musique et politique se sont jusqu’à présent majoritairement concentrées sur les régimes monarchiques, autoritaires et totalitaires, en postulant bien souvent que la liaison de la musique à la politique serait  nécessairement dangereuse et problématique. On s’est de ce fait intéressé principalement aux formes possibles d’instrumentalisation et de fonctionnalisation de la musique, s’empêchant d’interroger le régime de l’autonomie, ses présupposés comme son fonctionnement réel. À l’inverse, des études portant sur le rôle de la musique dans des mouvements sociaux, identitaires ou politiques ont pu parfois tendre à idéaliser ses fonctions de résistance ou de libération, sans toujours appréhender  dans leur complexité les liens entre les pratiques musiciennes et les conceptions plurielles du vivre-ensemble dans une société démocratique.

Ce colloque entend donc placer au centre de l’attention les relations entre les vies musicales et politiques au sein de sociétés démocratiques en analysant l’articulation entre les pratiques musicales, les discours et savoirs des experts, les actions menées par différentes instances (État, collectivités régionales ou locales, associations…) et les processus d’institutionnalisation qu’elles engendrent. Dans une perspective à la fois historique et anthropologique, on s’intéressera à la manière dont les musiques ont été intégrées à des réflexions, programmes et actions visant à l’organisation d’une société démocratique. Comment expliquer que la musique soit si souvent invoquée quand il s’agit de réfléchir à l’avènement d’une société plus juste et plus égalitaire ? Quels postulats et intentions sous-tendent la désignation de la musique comme « bien commun » ? Comment les divers experts (chercheurs, professeurs, membres de collectivités ou d’associations militantes) impliqués dans les processus de légitimation justifient-ils l’intervention de l’État et des collectivités dans les diverses sphères de l’activité musicienne (création, transmission, éducation, construction de lieux de musique) ?  Par le biais de ces questionnements, ce seront aussi les définitions changeantes de ce que l’on nomme « la culture », « l’art » et « le peuple », les  modalités de construction de nouvelles légitimités ainsi que leur contestation qui seront au cœur de nos discussions.

Réfléchir aux pratiques musiciennes rapportées au concept de « démocratie » permet et implique tout à la fois une ouverture et une pluralité des approches théoriques et méthodologiques. Si le concept de démocratie suscite spontanément une forme d’adhésion, il ne faut pas oublier l’extrême diversité des usages que l’on en a fait et que l’on continue d’en faire, ni la multiplicité des formes de démocratie ainsi que l’historicité des systèmes démocratiques.

La période étudiée s’étendra des premiers développements d’une pensée « démocratique » de la musique (à la charnière des XVIIIe et XIXe  siècles) à l’époque actuelle, afin d’interroger les continuités et ruptures intervenues au cours du temps dans la manière de considérer l’objet musical comme un « bien commun ». L’objectif du colloque est de fournir une vision dans la longue durée de ces questionnements. Sur le plan synchronique, le colloque vise une comparaison entre divers pays et aires culturelles, en mettant au premier plan les cas de la France et de l’Allemagne sans toutefois s’y limiter .

Les communications pourront s’intégrer dans un ou plusieurs des axes thématiques suivants, à considérer en lien avec la problématique annoncée :

1-  Politiques culturelles et éducatives en matière de musique : histoire et fonctionnement d’instances étatiques chargées des questions musicales, parcours d’acteurs ou de groupes d’acteurs, processus d’institutionnalisation, relations entre les diverses instances de l’État et de la société civile impliquées dans ces processus ;

2- Histoire des concepts forgés pour penser la musique en contexte démocratique, procédures d’expertise et processus de délibération (mobilisant les concepts de démocratisation, de centralisation, d’autonomie, de représentativité, de diversité culturelle, etc.), constructions de hiérarchies musicales, émergence de nouvelles catégorisations ;

3- Conceptions de la société et du politique sous-jacentes aux pratiques musicales, hiérarchies et structuration des activités musiciennes, controverses autour de la culture légitime, mouvements contestataires et leur institutionnalisation (Soziokultur, éducation populaire, etc.) ;

4- Construction de lieux de musique et organisation d’événements musicaux dans des sociétés démocratiques (salles de concert, festivals, conservatoires, radio), symboliques liées à leur conception architecturale ou à leur inscription dans des territoires particuliers, débats et controverses autour du financement ou de la mission sociale de ces lieux et événements ;

5- Publics imaginés et réels, représentation des publics (élite / mainstream, masse, audience…), savoirs et outils de connaissance sur les populations  (statistiques, études produites par des experts ou cabinets d’expertise), pratiques et contextes d’écoute et de réception.

En rassemblant des contributions s’intéressant à diverses constellations historiques et géographiques envisagées selon diverses entrées (discours, acteurs, institutions, pratiques), ce colloque souhaite présenter un premier état des lieux des recherches sur les mobilisations de la musique en démocratie. Nous ferons place à des approches issues de disciplines variées : histoire, musicologie, sociologie, sciences politiques, anthropologie, ethnologie, etc.

 

Les langues du colloque seront le français, l’allemand et l’anglais.

Les propositions de communications (2000 caractères) assorties d’un curriculum vitae (500 caractères) sont à envoyer jusqu’au 15 mai à l’adresse suivante : musikdemokratie@gmail.com

Les réponses seront communiquées dans le courant du mois de juin.

Le programme du colloque sera visible en ligne à cette adresse:

https://musiquedemocratie.wordpress.com/


Colloque international organisé à la Philharmonie de Paris les 5, 6 et 7 novembre 2015, en partenariat avec l’École des Hautes Études en Sciences Sociales (le Centre de Recherche sur les Arts et le Langage et le Centre Georg Simmel), la Philharmonie de Paris, le Centre Marc Bloch  (Berlin), le Palazzetto Bru Zane (Venise), et le Center for World Music (Hildesheim).

 

Comité scientifique:

Philip Bohlman, Esteban Buch, Annegret Fauser, Wolfgang Fuhrmann, Antoine Hennion, Denis Laborde, Karine Le Bail, Julio Mendívil, Olivier Roueff, Patrice Veit, Raimund Vogels, Sarah Zalfen, Hansjakob Ziemer

 

Comité d’organisation:

Talia Bachir-Loopuyt (Université Jean Monnet), Etienne Jardin (Palazzetto Bru Zane), Christina Kaps (Humboldt-Universität zu Berlin), Elsa Rieu (École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Paris), Lena van der Hoven (Max-Planck-Institut für Bildungsforschung)

Punk/Post Punk

Plusieurs manifestations autour des scènes punk/post-punk vont se tenir prochainement à Paris:
1) Le colloque Disorder: histoire sociale des mouvements punk/post punk les 27 et 28 mars à l’Université Paris Diderot et à l’University of Chicago Center of Paris. Toutes les informations en ligne, ainsi que le programme sur le site: http://colloquepunkpostpunk2015.blogspot.fr/.
Attention! Il est fortement recommandé de se préinscrire en ligne à la même adresse: http://colloquepunkpostpunk2015.blogspot.fr/
(télécharger le formulaire en ligne et le renvoyer par mail à l’adresse indiquée sur le site).
2) La 2e journée d’étude du projet “Punk is not dead. Une histoire de la scène punk en France, 1976-2016″ se tiendra le 27 juin au Centre musical Barbara Fleury à Paris. Plus d’informations sur l’affiche et le programme.

Histoire Sociale du Rock: Programme Séminaire 2015

PROGRAMME

Séance 1 : 18 mars 2015 : Musiques noires/Black Music
Sofia Solomon (doctorante, EHESS) : « Qu’est-ce que la black music ? Réflexions sur la catégorisation de la musique par la race à partir de la recherche de Karim Hammou sur Howard Becker et Aselm Strauss »
Emmanuel Parent (MCF en musicologie à Rennes 2, LAHIC-EHESS, conseiller scientifique de l’exposition Great Black Music) : « L’exposition Great Black Music à la Cité de la musique (Paris, 2014) : la question raciale dans la France postcoloniale »

Séance 2 : 1er avril 2015 : Le rocker mis en images
Thomas Sotinel (journaliste au Monde) : « L’évolution de la représentation de l’artiste rock au cinéma, à travers deux films récents, 20 000 Jours sur Terre et Frank »
Gille Élie Cohen (photographe) : À propos de l’exposition Vikings & Panthers (galerie Addict, Paris)

Séance 3 : 13 mai 2014 : Punk
Matthias Glenn (doctorant en sociologie, Paris Ouest Nanterre La Défense) : « Le punk anglais : une aubaine pour le rock français ? »
Marine Dassé (doctorante en civilisation américaine, Paris Ouest Nanterre La Défense) : « Contestation commercialisée : l’idéal du punk et sa récupération »

Séance 4: 3 juin 2015 : Circulations musicales
Anaïs Fléchet (MCF en histoire à l’université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines, CHCSC) : « le Festival rock d’Avándaro (Mexique, 1971) ».
Anna Zaytseva (docteur en sociologie, ATER à Paris-Sorbonne, chercheur associé au CERCEC) : « Un « genre musical contestable » entre laissez-faire, contrôle, « underground » et légitimation. Voyage musico-sociologique à travers l’univers esthétique et institutionnel du rock soviétique (années 1960-1980) »

Séance 5 : 10 juin 2015 : Contre-cultures
Jedediah Sklower (doctorant en infocom et en histoire à Paris 3, CIM et CHS-20e s) : « Le gouvernement des sens. Signification et expériences du free jazz en France ».
Alexandre Marchant (docteur en histoire de l’ENS Cachan, ATER à l’Université Paris Ouest Nanterre La Défense) : « Du rock psychédélique au mouvement punk: cultures musicales, drogues et rébellion en France (années 1960-1970) »

Séance 6 : 17 juin 2015 : Baby-Boomers
Elvina Fesneau (docteure en histoire de l’université Paris 1, attachée à l’IDHE) : « “le transistor” (la radio nomade) et le public juvénile dans les années 60 »
Claire Blandin (MCF en histoire à l’université Paris-Est Créteil, CRHEC) : « Tous les garçons et les filles de leur âge: Salut les copains, magazine de tous les baby-boomers? »

Klaus Theweleit: “So tun als gäbe es kein Morgen” (Video)

Klaus Theweleit spricht am 22. Juni 2011 auf der Konferenz “PopHistory. Perspektiven einer Zeitgeschichte des Populären” im Roten Salon der Volksbühne am Berliner Rosa Luxemburg-Platz.

Als wir Klaus Theweleit als Keynote-Speaker zur Konferenz PopHistory einluden, bediente er sich eines ungewöhnlichen Verfahrens. In seinem Vortrag mit dem Titel “So tun als gäbe es kein Morgen oder: 2000 Light Years from Home” brachte er Blätter in unterschiedlichen Formaten mit, von denen er Passagen zu Aspekten der Popgeschichte ablas: Songtexten, Sounds, Comics, Sexualität, Fantum. Da diese Passagen aus verschiedenen Veröffentlichungen Theweleits stammten und damit streng genommen keine Neuveröffentlichung sind, haben wir uns entschlossen, die Transkription des Vortrages in Form eines hidden tracks dem Methoden-Band unserer zweibändigen Popgeschichte hinzuzufügen. Die Idee war dabei, den Text als eine Zugabe quasi außer Konkurrenz zu markieren.

Theweleit hat in dem Vortrag seine eigenen Texte in neuer Kombination wie in einem Remix zusammengesetzt. Es handelt sich um die für ihn typische Mischung aus ungeschützt-autobiographischem Schreiben, psychoanalytisch inspirierter Interpretation und politischer Kritik, die Theweleit vielleicht nicht zu einem (Pop-)Historiker macht, aber eindrucksvoll demonstriert, warum er zu den originellsten Denkern unserer Tage gehört. Wir veröffentlichen den ungekürzten Video-Mitschnitt des Vortrags (die Musikbeispiele mussten wir aus urheberrechtlichen Gründen leider herausschneiden) im Blog für alle, die den ganzen Vortrag nachhören möchten:

Pophistorische Zugänge zu Native Americans nach 1945: eine Plattenkritik

Bei der Wiederveröffentlichung „vergessener“ Popmusik ist nicht selten eine gewisse Skepsis angebracht: Die Liste verkannter Meisterwerke ist endlich und die wenigsten Veröffentlichungen können das Versprechen einlösen, einen völlig neuen Blick auf popkulturelle Traditionslinien zu eröffnen. Dies gilt umso mehr, als in diesem Feld seit längerer Zeit ein Trend zu immer ausgefalleneren Genres zu beobachten ist, der das Prinzip popkultureller Distinktionsbildung beständig zu neuen Entdeckungen treibt. Konnte man eben noch mit dem Abspielen kambodschanischer Beat-Musik oder Rumba-Rhythmen aus dem franquistischen Spanien punkten, so ist die Musikindustrie schon längst auf dem Weg zu neuen Milieus und Subgenres, deren Nichtkenntnis einem zuvor nicht als Mangel aufgefallen war.

Mittlerweile haben sich hierbei eine Reihe von Musiklabels etablieren können, die immer neue Platten, Künstler und Genres wiederentdecken und für den Musikmarkt neu aufbereiten – oft mit großem Aufwand sowohl in der aufnahmetechnischen Rekonstruktion, opulenter ästhetischer Gestaltung und fundierter redaktionellen Aufbereitung. Man liegt vermutlich nicht ganz falsch, dieses expandierende Veröffentlichungsfeld mit jenem Phänomen in Verbindung zu setzen, das Simon Reynolds jüngst als „Pop Culture’s Addiction to it’s Own Past“ beschrieben hat. In einigen Fällen können solche Zusammenstellungen jedoch nicht nur wertvolle Musik neu zum Vorschein bringen, sondern auch einen neuen Blick auf pop- und gesellschaftsgeschichtliche Fragen stimulieren.

The Chieftones, image courtesy of artist (lightintheattic.net)

Die vorliegende Veröffentlichung ist ein Beispiel eines solchen Falles. Es handelt sich um die Platte „Native North America (Vol. 1): Aboriginal Folk, Rock, and Country 1966–1985“, die im Herbst 2014 auf dem Label „Light in the Attic“ erschienen ist. Das Album beinhaltet ein beeindruckendes Spektrum an Musik von Native Americans aus den kanadischen Territorien und den nördlichen US-Bundesstaaten und vereint auf diese Weise Songs aus so unterschiedlichen Gebieten wie Newfoundland, Nova Scotia, den in Nunavut lebenden Inuit und der nördlichen Pazifikküste von Oregon bis nach Alaska. Eine zweite LP, welche die südlichen Bundesstaaten der USA in den Blick nimmt, ist in Planung. Kevin Howes, der die Musik über Jahre gesammelt hat und in einem kurzen Text im Booklet in den gesellschaftlichen Kontext einführt, schreibt hierzu: „Beginning in the 1960s and well into the 1980s, a movement of Aboriginal musicians, artists, writers, and poets from across North America crafted a new blend of music: folk, country, rock, pop, blues, jazz, and classical, all reflected through their distinct cultural heritage.“

Flöten und Wassertrommeln sucht man auf den Veröffentlichungen demnach vergebens: Stattdessen lassen sich in vielen Fällen sehr klassische Besetzungen von Sängern/Gitarristen in der Tradition der zeitgenössischen Folk-Welle bis zu klassischen Rock-Besetzungen wie man sie bei der aus Inuit bestehenden Rockband Sugluk finden kann. Nicht alle Aufnahmen klingen revolutionär, einiges klingt sogar ausgesprochen konventionell, aber jede der drei Platten birgt unbekannte Künstler von überraschender Qualität und Originalität, wobei vielleicht Willy Mitchell und der in Kanada nicht völlig unbekannte Willie Dunn hervorgehoben werden können.

Willie Thrasher, image courtesy of artist (lightintheattic.net)

Wichtiger als die musikalische Qualität ist für den Kontext popgeschichtlicher Fragestellungen die Tatsache, dass mit der Musik, den Songtexten und den sie begleitenden biographischen Darstellungen des Booklets die – zumindest in Deutschland – historiographisch wenig präsente Geschichte der Native Americans in den USA und Kanada der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in den Blick gerät. Gerade der hier fokussierte musikalische Kontext ist dabei überaus spannend, weil hierdurch implizit immer wieder die Phänomene einer sowohl vom kanadischen als auch vom US-amerikanischen Staat noch lange nach 1945 forcierten kulturellen Einordnung zu Gehör kommen, aber eben auch die hierauf reagierenden Widerstände und sich verstärkenden Emanzipationsbewegungen der Nachkriegsjahrzehnte.

Wie dieser ambivalente Prozess zu hybriden popkulturellen Phänomen der Identitätsbildung führte, stellt einen äußerst spannenden Forschungsgegenstand der Popgeschichte dar, der in der Verbindung von Musik, Texten und biographischen Angaben auf den Platten immer wieder neue Bezüge eröffnet. Die Veröffentlichung bildet auf diese Weise einen vielversprechenden Zugang zur Kultur- und Gesellschaftsgeschichte von Native Americans nach 1945, wie sie in klassischen Veröffentlichungen und Curricula zur „Amerikanischen Geschichte“ nur selten eine zentrale Rolle spielen.

Für die wissenschaftliche Beschäftigung mit popgeschichtlichen Fragestellungen können solche Veröffentlichungen ein Anstoß sein, um sich (noch) weiter von den durch Verkaufszahlen beglaubigten „wirkungsmächtigen“ Feldern der Popkultur wegzubewegen und nach alternativen popmusikalischen Vergangenheiten zu fragen, die immer auch zu einem neuen Blick auf allgemeine kultur- und gesellschaftsgeschichtliche eröffnen können.

V.A.: Native North America (Vol. 1): Aboriginal Folk, Rock, and Country 1966–1985.
Label: Light In The Attic (CD / LP / MP3)

Berliner Colloquium zur Klangforschung gestartet

In Berlin hat sich eine Runde junger Forscherinnen und Forscher zusammengefunden, die sich regelmäßig in einem gemeinsamen Colloquium zum Themengebiet der Klangforschung / Sound Studies treffen. Die Idee des auf Initiative der Kulturwissenschaftler Felix Gerloff und Sebastian Schwesinger gegründeten Colloquiums ist es, eigene Projektideen und für alle interessante Texte vorzustellen und auf Basis gemeinsamer Lektüre zu diskutieren. Daneben sollen auch Sounds, Geräusche und natürlich auch musikalische Klänge gemeinsam gehört werden. Außerdem werden in jeder Sitzung relevante und aktuelle Stellenausschreibungen, Call for Papers, Konferenzen, etc. kurz angekündigt und besprochen.

Das Forschungsfeld der Sound Studies ist dabei von Haus aus eine interdisziplinäre Angelegenheit, die Perspektiven aus Kultur-, Medien-, Musik- und Sozialwissenschaften zusammen bringt und zur Diskussion stellt. Neben theoretischen Problemen und empirischen Phänomenen werden dabei auch methodische Herangehensweisen behandelt. Das Spektrum der besprochenenen Themen umfasst bis jetzt unter anderem Sonifikation, Akustik in der Archäologie (archaeoacoustics), historische Klangforschung, Praktiken des Hörens, musikalische Produktionstechniken, Klang und urheberrechtliche Verwicklungen, Wissenschaftsforschung und Sound. Prinzipiell sind alle Thematiken und Herangehensweisen willkommen, in denen das Klangliche einen Gegenstand der Untersuchung darstellt, in welcher Form auch immer dies geschieht.

Derzeit findet das seit dem vergangenen Herbst tagende Colloquium freitags alle drei Wochen im Exzellenzcluster “Bild Wissen Gestaltung” der HU Berlin statt. Für die Zukunft planen wir auch gemeinsame Exkursionen, Veranstaltungen oder Publikationsprojekte. Wir freuen uns über weitere Teilnehmerinnen und Teilnehmer mit Interesse an der Klangforschung zum gemeinsamen Austausch in einer entspannten und kollegialen Atmosphäre.

Kontakt: Für weitere Informationen bitte gerne eine Email schicken.

Neuerscheinungen: Popgeschichte Band 1 & 2

Soeben erschienen:  Popgeschichte. 2 Bde. Transcript Verlag, Bielefeld.
Die beiden Bände bündeln erstmals aktuelle Arbeiten zur Popgeschichte und machen das Thema Pop als relevanten Forschungsgegenstand der Zeitgeschichte sichtbar. Sie fächern verschiedene Ansätze und Methoden auf, mit denen sich Historiker_innen dem Thema Pop nähern können – von den Cultural Studies über Körper-, Gender- und Konsumgeschichte bis zur Sound History. Mit Fallstudien aus vier Jahrzehnten, die von politischer Mobilisierung über technische Innovation und Vermarktung bis zur Körperbildung reichen, zeigen sie ein breites Spektrum möglicher Zugänge anhand exemplarischer Fragestellungen auf.

Popgeschichte Bd. 1Hier ein Blick in die Inhaltsverzeichnisse der beiden Bände:

Alexa Geisthövel/Bodo Mrozek (Hg.):
Popgeschichte. Band 1: Konzepte und Methoden

  • Alexa Geisthövel/Bodo Mrozek: Einleitung
  • Detlef Siegfried: Pop und Politik
  • Uta G. Poiger: Popkultur und Geschlechternormen. Männlichkeit und Weiblichkeit in der Bonner Republik
  • Lu Seegers: Pop und Generationalität. Anmerkungen zu einer vernachlässigten Beziehung
  • Bodo Mrozek: Subkultur und Cultural Studies. Ein kulturwissenschaftlicher Begriff in zeithistorischer Perspektive
  • Klaus Nathaus: Auf der Suche nach dem Publikum. Popgeschichte aus der »Production of Culture«-Perspektive
  • Heike Weber: Mobil hören. Klang- und technikhistorische Zugänge zum Pop und seinen »Nutzern«
  • Alexa Geisthövel: Lebenssteigerung. Selbstverhältnisse im Pop
  • Henning Wellmann: Pop- und Emotionsgeschichte. Eine viel versprechende Partnerschaft
  • Thomas Lindenberger/Heiner Stahl: Geschichtsmaschine Pop. Politik und Retro im vereinten Fernseh-Deutschland
  • plus: hidden track: Klaus Theweleit: So tun als gäbe es kein Morgen oder: 2000 Light Years from Home
    Bielefeld: transcript Verlag 2014. 280 Seiten, 29,99 Euro. (ISBN 978-3-8376-2528-8)

Bodo Mrozek/Alexa Geisthövel/Jürgen Danyel (Hg.):
Popgeschichte. Bd. 2: Zeithistorische Fallstudien 1958-1988
41Uy3SQZSBLPopgeschichte Bd. 2

  • Jürgen Danyel/Alexa Geisthövel/Bodo Mrozek: Pop als Zeitgeschichte
  • Thomas Grotum: Die Bill-Haley-Tournee 1958. »Rock’n’Roll Panic« in der Bundesrepublik Deutschland
  • Florence Tamagne: La Nuit de la Nation. Jugendkultur, Rock’n’Roll und moral panics im Frankreich der sechziger Jahre
  • Anna Braun: Where was Pop? Die Robert Fraser Gallery zwischen Popmusik und bildender Kunst in »Swinging London«
  • Thomas P. Funk: Klubtramps in Ostberlin. Widerständige Raumpraxen jugendlicher Beatfans in den 1960er Jahren
  • Thomas Schopp: Der Diskjockey Tom Donahue und das Freeform-Radio in den USA. Ein klanggeschichtlicher Blick auf populäre Kultur
  • Martin Lüthe: Dancing in Heels: Motown und die Performanz schwarzer Weiblichkeit in der Popkultur der 1960er Jahre
  • Klaus Nathaus: »Moderne Tanzmusik« für die Mitte der Gesellschaft. Diskotheken und Diskjockeys in Westdeutschland, 1960-1978
  • Jens Gerrit Papenburg: »A great idea after the fact«. Das (Er-)Finden der Maxisingle in der New Yorker Discokultur der 1970er Jahre
  • Thomas Wilke: Diskotanz im Speisesaal. Zur Institutionalisierung und Normierung einer Unterhaltungsform in der DDR ab 1973
  • Sebastian Klöß: »Pop is not popular«. Der Notting Hill Carnival (1970er bis 1990er Jahre)
  • Rebecca Menzel: Pop-Politisierung? Folk und Protestsong als Herausforderung konkurrierender Pop-Systeme
  • Marcel Streng: Kung Fu Pop? Zur Ästhetisierung des Körpers zwischen Dojo und Disco (Westdeutschland 1960er bis 1980er Jahre)
  • Henning Wellmann: »Let fury have the hour, anger can be power«. Praktiken emotionalen Erlebens in den frühen deutschen Punkszenen
  • Glaucia Peres da Silva: Globale Klänge. »World Music« als Marktkategorie in den 1980er Jahren
  • Nadja Geer: »If you have to ask, you can’t afford it.« Pop als distinktiver intellektueller Selbstentwurf der 1980er Jahre
  • Kalle Laar: Vinyl Culture und Zeitgeschichte. Schallplattencover als Quellen der visual history

    Bielefeld: transcript Verlag 2014. 384 Seiten, 34,99 Euro. (ISBN-13: 978-3837625295).
    Mehr zu den Büchern.

Historikertag 2014: “Popgeschichtliche Narrative des 20. Jahrhunderts” (Tagungsbericht)

Auf dem diesjährigen Historikertag fehlte es nicht an Premieren. Jedenfalls nahmen wenigstens drei Sektionen für sich in Anspruch bisher – auf dem Historikertag – Nichtdagewesenes zu präsentieren: die Gefühlsgeschichte, die Homosexualitäts-geschichte und die Popgeschichte. Ob diese Premierendichte auf eine generelle Innovations-freude oder doch eher auf den lange gepflegten Konservatismus des Historikerverbandes zurückzu-führen ist, mag an anderer Stelle diskutiert werden. Auf jeden Fall erfreuten sich alle drei Sektionen regen Publikumszuspruchs und angeregter Diskussionen.

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Geschmacksgemeinschaften. Fan-Clubs als Avantgarden (1950er-1980er-Jahre)

Kurzfassung eines Vortrages auf dem 50. Deutschen Historikertag 2014 (Panel Popgeschichte).

Kaum ein Kriegsschiff dürfte in Deutschland nach 1945 mit so großer Spannung erwartet worden sein wie die “USS General Randall”. Als der Truppentransporter am 1. Oktober 1958 in Bremerhaven festmachte, säumten Hundertschaften junger Deutscher die Kaimauern. An Bord befanden sich 1300 Amerikaner, die sich in Brooklyn eingeschifft hatten, um ihren Militärdienst an der Frontlinie des Kalten Krieges abzuleisten. Die ungeteilte Aufmerksamkeit der Massen (und der Medien) galt nur einem von ihnen: dem 23 Jahre alten Rekruten Elvis Presley.

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